Modernismo (1910–1945) – Partituras

Descubre aquí el maravilloso mundo de la música clásica moderna con una amplia selección de partituras y lee más sobre los diferentes estilos y los compositores asociados que dieron forma a este período especial a principios del siglo XX aquí.

Los horrores de la Primera Guerra Mundial supusieron un cambio de perspectiva tan grande que el arte nunca volvió a ser el mismo a partir de ese momento. Los cambios culturales y sociales que ya se habían iniciado a finales del siglo XIX dieron lugar a nuevas perspectivas, que también se expresaron en diversos movimientos artísticos innovadores. El conjunto de esta nueva forma de pensar y los movimientos artísticos que la acompañaron se denomina Modernismo.

Aquí encontrarás un resumen de los estilos más importantes, los compositores relacionados y, por supuesto, las partituras correspondientes.

Tonalidad ampliada

En el transcurso del siglo XIX, los límites de la tonalidad se ampliaron hasta tal punto que, a partir de cierto momento, ya no se podría hablar de música tonal. El uso de la politonalidad por parte de compositores como Igor Stravinsky, Béla Bartok y Charles Ives y, en mayor medida, la música de dodecafónica de Arnold Schönberg y sus alumnos y el serialismo que se desarrolló a partir de ella son los ejemplos más llamativos.

La búsqueda de nuevas formas de expresión llevó a la aparición de diversos estilos. La mayoría de los compositores pasaron por diferentes periodos durante esta época y escribieron obras que pueden asignarse a diferentes estilos.

Descubre aquí tres importantes corrientes del modernismo clásico y los compositores que pertenecen a ellas.

Folclore

El auge de los movimientos nacionalistas provocó un renacimiento del interés por la música folclórica a finales del siglo XIX. Las nuevas posibilidades técnicas, como la invención del fonógrafo, también facilitaron la documentación y recopilación de la música folclórica. Los pioneros en este campo fueron el compositor rumano Béla Bartók, el checo Leoš Janáček y el húngaro Zoltán Kodály.

Esta evolución dio lugar a un nuevo lenguaje dentro de la música clásica, tanto a nivel melódico como rítmico, que se diferenciaba de los desarrollos antes mencionados en el ámbito de la tonalidad. Buenos ejemplos son las melodías de la ópera “Jenufa” de Leos Janacek, que se basan en los ritmos y la entonación de la lengua checa, y las rapsodias para violín de Béla Bartók.

Expresionismo y Serialismo

Los expresionistas se propusieron captar la verdadera emoción en la música, sin glosarla. Se fijaron sobre todo en el mundo interior (subjetivo) en contraste con el mundo exterior y dejaron atrás todos los ideales tradicionales de belleza para lograr su objetivo.

La música expresionista se caracteriza por un alto grado de disonancia, una dinámica extrema y grandes contrastes de color, tono, etc. Esta dirección se asocia generalmente en la música con la 2ª Escuela de Viena de Arnold Schoenberg y sus alumnos Anton Webern y Alban Berg y la técnica de los doce tonos (dodecafonismo) que utilizaron. Sin embargo, hay muchos otros compositores de esta época (y hasta bien entrado el siglo XX) que podrían atribuirse a este movimiento.

Entre los ejemplos más llamativos de música expresionista se encuentran “Erwartung” (1909) de Arnold Schönberg y la ópera “Wozzeck” de Alban Berg (1922).

Neoclasicismo

Otra forma de escribir música que se desmarcaba de la música y los ideales del Romanticismo era recurrir a formas y tropos del Barroco y el Clasicismo. Esto se expresó en el uso de formas anticuadas, como en el "Concierto Grosso" de Bohuslav Martinů (1937); en la instrumentación, como en el "Concierto para clave, flauta, oboe, clarinete y violonchelo" de Manuel de Falla (1926); y también en el uso de material temático de compositores de los siglos XVIII y XIX, como "Pulcinella" (1920) de Igor Stravinsky.